Institutio Polaco de Cultura Madrid
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Radiaciones. El arte europeo y sus debates durante la Guerra Fría, 1944-1955

Artes visuales
Radiaciones. El arte europeo y sus debates durante la Guerra Fría, 1944-1955
Colliers Magazine, Preview of a War We Don't Want, 1957

Conferencia de Gabriela Świtek "Pensar las exposiciones tras el Telón de Acero. La Oficina Central de Exposiciones de Arte de Varsovia (1949–1955)" durante el seminario organizado por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

La palabra “radiaciones” anuncia, en tono cómplice, el interesante pero también en cierto modo peligroso tema que presenta este seminario: la reverberación de los discursos artísticos en toda Europa durante el período de división que fue la Guerra Fría.

Estas jornadas abordan el tenso período que transcurrió entre 1944 y 1955, un período durante el cual los dos principales núcleos artísticos, París y Nueva York, intentaban definir su propia poderosa “imagen universal” con la que impresionar al mundo. La “Nueva Escuela de París” por un lado y la “Nueva Escuela de Nueva York” por el otro se enfrentaban en una competición; el único papel del resto del mundo era mirar y aprender. Cuando a finales de los años 40 la Guerra Fría crea un nuevo tipo de relaciones mundiales basadas en la división entre dos bloques antagónicos, la América liberal y la URSS comunista, los países europeos se ven forzados a reconsiderar sus valores y discursos, su identidad política y cultural. Y es en este momento cuando el debate se vuelve especialmente complejo y cuando se elaboran los distintos conceptos de producción artística, dado que la retórica de la Guerra Fría tiende a presentar dos campos enfrentados, cada uno de los cuales utilizará un abanico de ataques mediáticos (arte, cine o música, por ejemplo) contra el otro.

Por lo tanto es clave ofrecer una narración heterogénea de cómo se produjo la cultura en este período en distintos lugares y bajo tensiones globales similares, investigando las alianzas y fricciones ideológicas entre países y movimientos artísticos, al mismo tiempo que se reconoce que los movimientos y los debates artísticos cambian según el sitio en el que sucedan. Así, Radiaciones. El arte europeo y sus debates durante la Guerra Fría, 1944-1955 describe la complejidad del mundo artístico europeo y reconoce también nuevas voces y posiciones durante muchos años invisibles debido a su diferencia con los cánones tradicionales diseñados desde París y Nueva York.

 

PROGRAMA

Miércoles, 29 de abril de 2015 – 18h / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Del mito al rumor. Ideas, debates y discursos

Serge Guilbaut
Presentación

Francis Frascina
Entender el poder. El mito de la Guerra Fría y los museos de Nueva York

Esta conferencia comienza con un análisis de cómo las visitas a dos exposiciones de museos de Nueva York, un artículo sobre el senador Joseph McCarthy y los documentos Venona, publicados en The New York Times Magazine, todo ello el mismo domingo de noviembre de 1999, sumieron a los lectores y visitantes activos en debates revisionistas sobre el arte, la cultura y la política de la década de 1950. Frascina sostiene que este ejemplo de cultura visual, que combina la vivencia de dos exposiciones y las páginas de una revista, puede entenderse como parte del mito de la Guerra Fría en el marco de las representaciones institucionales del recuerdo.

Serge Guilbaut

“Leur faire Avaler leur Chewing-Gum”: Algunos problemas correosos de la escena político-artística de Francia en 1954

Entre 1944 y 1966, ni la escena política ni el mundo del arte eran capaces de proponer un terreno común viable. El mundo del arte de París, antiguo centro del “buen gusto universal” parecía un espejo resquebrajado con cada una de sus distintas facciones soñando con reunir los fragmentos para que el espejo pudiese volver a reflejar la grandeza de Francia, pero a través de su propia imagen. En esta batalla por el alma de Europa, el arte fue uno de los bienes en juego más preciados, y sin embargo carecía de todo punto de encuentro, especialmente en Francia. Este es el nuevo mundo en el que los artistas de toda Europa trabajaban, circulaban y articulaban nuevas formas de debatir su visión personal de lo que actualmente se conoce como Guerra Fría.

Descanso

Richard Leeman
 “Nach 45”. Michel Tapié, Michel Ragon y Pierre Restany

En el periodo de posguerra aparece una nueva generación de críticos de arte (Michel Tapié, Michel Ragon, Pierre Restany) que compite con aquella otra de los mayores formados y activos en los años 30 (Pierre Courthion, Marcel Brion, Raymond Coignat o Bernard Dorival). Para esta joven generación hacía falta quemar los puentes con el arte anterior a la guerra apoyando a jóvenes artistas abstractos, mientras que los mayores buscaban en los herederos presuntamente cubistas, fauvistas y realistas una continuidad que aseguraba una preeminencia francesa en la escena europea e internacional. A través de este choque generacional se dibujaban así dos vías de una historia del arte francesa todavía sorda a aquello que podía suceder en Estados Unidos y que esbozaba ya una tercera vía que ni los unos ni los otros habrían podido entonces prever: aquella de una historia que no sucedería más en París.

Karen Kurczynski
El “Espíritu Internacional” de CoBrA

El movimiento CoBrA fue así bautizado en honor a las ciudades natales (Copenhague, Bruselas y Ámsterdam) de sus fundadores, en particular, el artista danés Asger Jorn, el poeta belga Christian Dotremont y el artista holandés Constant. Su breve existencia en París y en el norte de Europa estuvo caracterizada por un polémico diálogo sobre la expresión espontánea, los experimentos artísticos colectivos, la repolitización de la estética surrealista y la promoción del arte popular como fenómeno internacional en los márgenes del arte oficial. Esta conferencia analiza el movimiento desde las perspectivas divergentes de sus principales organizadores (Dotremont, Jorn, Constant, Michel Ragon y Pierre Alechinsky), prestando particular atención a la nueva concepción que el arte de CoBrA ofreció de la historia contemporánea en los albores de la Guerra Fría.


Jueves, 30 de abril de 2015 – 18h / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Entre el Este y el Sur. Las periferias como nuevos escenarios

Serge Guilbaut
Presentación

Alessando del Puppo
Del Neorrealismo a la Neovanguardia. Arte, crítica e ideología en el arte italiano de posguerra, 1945-56

Por muchos motivos, durante la segunda posguerra Italia parecía un país dividido. Siendo un Estado clave para el equilibrio de la Guerra Fría, su sociedad se encontraba atravesada por acusadas diferencias ideológicas y tendencias culturales contrapuestas. Artistas neorrealistas como Renato Guttuso o Armando Pizzinato trataban de ofrecer una representación auténtica y cercana de las luchas sociales, mientras pintores abstractos, como Alberto Burri o Lucio Fontana, se esforzaban por establecer un diálogo con la modernidad internacional. Después de 1956, esta orientación parece predominar prácticamente en todas partes. El realismo era un callejón sin salida, mientras la Neovanguardia imponía sus reglas tanto en el arte como en la literatura.


María Dolores Jiménez-Blanco
¿Campo cerrado? Reflexiones sobre arte y autarquía en la España de los 40

La idea de cerrazón, de diferencia (en los dos sentidos derridianos de différence y différance), y también de ruptura estética con el pasado, ha marcado muchas de las revisiones que se han hecho del arte de la posguerra en España. La investigación de las imágenes producidas en este país en los años que siguieron a la guerra civil, sin embargo, arroja un balance algo más complejo: junto a lo idiosincráticamente autárquico, producido por un poder político que propone la idea de refundación nacional, es posible establecer numerosas continuidades y contaminaciones de movimientos culturales y artísticos producidos más allá de las fronteras, aunque todo ello vaya casi siempre acompañado de deslizamientos semánticos.

Descanso

Gabriela Świtek
Pensar las exposiciones tras el Telón de Acero. La Oficina Central de Exposiciones de Arte de Varsovia (1949–1955)

Esta intervención presenta una reflexión sobre las actividades de la Oficina Central de Exposiciones de Arte (en la actualidad la Zachęta, Galería Nacional de Arte de Varsovia), la principal galería pública de arte contemporáneo de Polonia, durante el periodo de 1949-1955. La historia de las exposiciones organizadas por esta institución puede considerarse asimismo como un punto de partida para redefinir la geografía de la historia del arte polaco, teniendo en cuenta tanto su significado local como las circunstancias políticas del intercambio cultural internacional durante la época de la República Popular de Polonia. El propósito no es sólo presentar algunas reconstrucciones históricas de las actividades de la Oficina Central de Exposiciones de Arte, sino también analizar una selección de exposiciones como mecanismo de propaganda política que refleja el “orden geográfico” de posguerra.

Mesa redonda final con todos los participantes


Participantes

Francis Frascina. Profesor emérito de Keele University. Entre sus publicaciones destacan Primitivismo, Cubismo y Abstracción: Los primeros años del siglo XX (Akal, 1993); Art Politics and Dissent: Aspects of the Art Left in Sixties America (Manchester University Press, 1999), La modernidad a debate. El arte desde los cuarenta (Akal, 1999) y Un choix de Meyer Schapiro: My Lai, le Moma et la gauche dans le monde de l'art, New York, 1969-1970 (Editions Formes, 2014).

Serge Guilbaut. Profesor de Historia del Arte en la Universidad de British Columbia. Entre sus publicaciones destacan: De cómo Nueva York robó la idea de arte moderno (Tirant Lo Blanch, 2007), Sobre la desaparición de ciertas obras de arte (Curare/Fonca, 1995) y Los espejismos de la imagen en los lindes del siglo XXI (Akal, 2009). También ha editado el libro Reconstructing Modernism: Art in New York, Paris and Montreal 1945-1964 (The MIT Press, 1992). Ha co-comisariado la exposición Bajo la bomba (MACBA, 2007).

María Dolores Jiménez-Blanco. Profesora de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Entre sus publicaciones cabe resaltar: Arte y estado en la España del siglo XX (Alianza, 1989) y Una historia del museo en 9 conceptos (Cátedra, 2014). Actualmente está comisariando en el Museo Reina Sofía una exposición sobre la autarquía y el exilio en el arte de posguerra en España.
 
Karen Kurczynski. Profesora de Arte Moderno y Contemporáneo en la Universidad de Massachussetts Amherst. Entre sus publicaciones recientes destacan Primitivism, Humanism, and Ambivalence: CoBrA and Post-CoBrA (RES59/60, 2011), Michel Ragon et CoBrA: Un dialogue sur l’expression populaire (Institut National de l'Histoire de l'Art, 2013) y Asger Jorn, Popular Art, and the Kitsch-Avant-Garde (Cambridge Scholars Press, 2013). Actualmente está co-comisariando una exposición sobre el movimiento CoBrA, titulada “Animal Culture” (NSU Art Museum, 2015).
Richard Leema. Profesor de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de Burdeos. Ha publicado recientemente Cy Twombly. A Monograph (Thames & Hudson/New York, 2005) y ha sido editor de varios volúmenes como Pierre Restany's half Century (Editions des Cendres/INHA, 2009) o Michel Ragon, critique d'art et d'architecture (Presses universitaires de Rennes, 2013).
Alessandro del Puppo. Profesor en la Universidad de Udine. Ha publicado recientemente Modernitá e nazione. Temi di ideología visiva nella pittura del primo Novecentro (Quodlibet, 2013) y L’arte contemporánea. Il secondo Novecento (Einaudi, 2013).
 
Gabriela Świtek. Profesora en la Universidad de Varsovia. Ha publicado Art Playing with Architecture: Modern Affinities and Contemporary Integrations (Universidad Nicolás Copérnico de Torun, 2013), Aporias of Architecture (Zacheta-Narodowa Galeria Sztuki, 2012), Writing on Fragments: Philosophy, Architecture, and the Horizons of Modernity (Warszawa, 2009) y es editora de Avant-garde in the Bloc (JRP Ringier, 2009), Transfer (2006), Zachęta 1860–2000 (2003). En 2006 comisarió el pabellón polaco en la Bienal de Arquitectura de Venecia.

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